劇音楽（Incidental Music）の歴史・機能・現代的展開 — 舞台から映画へつながる音楽の系譜

劇音楽とは何か — 定義と機能

劇音楽（いわゆる「劇付随音楽」「インシデンタル・ミュージック」）は、演劇作品に付随して用いられる音楽を指します。舞台の幕開けを告げる序曲、場面転換の間に挿入される間奏、登場人物や状況を象徴する動機、舞踏や合唱、終幕のフィナーレまでその形態は幅広い。目的は台詞や演技を直接補強し、場面の空気・時間感・心理描写を音で補うことにあります。

劇音楽は単なる「背景音」ではなく、ドラマの構造を整理し、場面間の連続性を保ち、観客の感情を増幅する重要な要素です。ときに音楽は登場人物の主題（モチーフ）を与え、作品の統一感を生み出します。さらに、公演の実務面では生演奏か録音か、具体的な長さやキュー（cue）管理、俳優の動きとの同期など制作上の難題が伴います。

歴史的展開：バロックからロマン派へ

劇音楽の起源は古く、宗教劇や宮廷の仮面劇、バロック期のセミオペラやマスケラ（masque）にまでさかのぼります。イギリスのヘンリー・パーセル（Henry Purcell）は、バロック期において演劇のための組曲や歌唱場面を手がけ、代表作に半歌劇的な組曲である「妖精の女王 The Fairy-Queen」があります。これらは台詞と音楽が交互に存在する形で、後の劇音楽の形式に影響を与えました。

18世紀から19世紀にかけては、演劇と音楽の結びつきがさらに強まり、作曲家が舞台作品のために専用の音楽を作ることが一般化しました。ここで注目すべきは、劇音楽から独立してコンサート用の「組曲（suite）」が編まれ、舞台を離れて音楽会で演奏されるようになった点です。これにより、劇音楽の一部が一般の聴衆に広く知られるようになりました。

代表的な作品と作曲家（事実関係に基づく解説）

• ヘンデル／パーセルなど（バロック）：セミオペラや王宮の仮面劇のための音楽は、台本と舞台装置を前提とした器楽と歌曲を組み合わせる点で、近代の劇音楽に先行する役割を果たしました。
• ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン：エグモント（Egmont）作品84（1810頃）：ゲーテの演劇の上演のために作曲された劇音楽で、序曲は独立したコンサートレパートリーとして有名です。
• フェリックス・メンデルスゾーン：真夏の夜の夢（A Midsummer Night's Dream）序曲（1826）と劇音楽（1842）：序曲は若き日の作品として知られ、その後の1842年にベルリン公演のために拡張された劇付随音楽を付け加えられ、有名な『結婚行進曲』などが含まれます。
• エドヴァルド・グリーグ：『ペール・ギュント』（Peer Gynt）作品23（1875）：イプセンの戯曲のために作曲された劇音楽で、『朝の気分』『山の岩戸の王のホール（いわゆる山男の場面）』『アンイトラの踊り』『山の魔王の宮殿にて（In the Hall of the Mountain King）』『ソルヴェイグの歌』など多数の名旋律が含まれ、作曲者自身が管弦楽組曲として抜粋・再編したことでも知られます。
• ジョルジュ・ビゼー：『アルルの女（L'Arlésienne）』劇音楽（1872）：アルフンス・ドーデの戯曲のために作曲され、作曲者没後に友人たちや編曲者によって管弦楽組曲が編まれ、劇音楽由来の旋律が広く知られるようになりました。

劇音楽の構成要素と作曲技法

劇音楽は一般に次のような構成要素から成ります。序曲（overture）・前奏曲（prelude）・間奏（intermezzo/entr'acte）・場面導入の短い付随音（incidental cues）・合唱・ダンス音楽・終曲（finale）など。作曲技法としては、場面ごとに均一なテーマを書きつつ、必要に応じて変奏や再現によって統一感を保つことが多いです。

また、登場人物や状況を音楽的に示すために動機（モチーフ）や色彩的なオーケストレーションを用いることが一般的です。たとえば低弦と金管で不吉さを表す、フルートやハープで幻想的な雰囲気を付与する、打楽器で行進や儀式感を強調するなど、楽器編成そのものが劇的効果を担います。

劇音楽とコンサート化 — 組曲の役割

多くの作曲家は劇音楽からコンサート向けの組曲を編みました。これは劇の上演が限定的であるため、優れた音楽をより多くの聴衆に届けるための実務的な措置でもありました。グリーグの『ペール・ギュント』やメンデルスゾーンの『真夏の夜の夢』の抜粋はその好例です。序曲や主要な場面の音楽が独立して演奏可能なフォルムに編曲されることで、劇音楽は永続的なレパートリーとなります。

劇音楽と映画音楽の接続

20世紀の映画の登場により、劇音楽の技法や概念は新たなメディアに移植されました。劇場で育まれた「場面を支えるための短いキュー」「登場人物のための主題（テーマ）」「場面転換を滑らかにする間奏」のノウハウは映画音楽の語法とほぼ同じです。実際に多くの作曲家（例えばエーリヒ・コルンゴルトなど）は欧州の劇音楽・オペラの背景を持ち、ハリウッドで映画音楽を発展させました。

制作現場の実務：劇音楽の制作工程

劇音楽の制作は台本の読み込みから始まり、演出家との緊密な打合せ、場面ごとのタイミング決定（キュー表の作成）、リハーサルを経た録音または生演奏への移行という工程を踏みます。劇場では生演奏を行う場合、一定のテンポを保つために拍子取りや指揮者が俳優のセリフに合わせて細かく調整する必要があり、録音を用いる場合は編集・フェードや効果音とのバランスも重要です。

現代における拡張：電子音響・サウンドデザイン

現代劇では従来のオーケストラだけでなく、電子音響やノン・ミュージックなサウンドデザインを統合するケースが増えています。環境音や加工音、ループ素材、空間音響の操作などを通じて、劇空間全体を音で設計することが一般化しました。これは従来の劇音楽とサウンドデザインが融合した新しい領域であり、作曲家には楽器編成以外の音響技術の理解も求められます。

権利・実務的注意点

劇音楽を上演する際は作曲者・出版社の著作権管理や演奏権、劇作品の上演権など複数の権利が関係します。既存曲を劇中で利用する場合も原作者への許諾が必要です。日本では一般にJASRACなどの管理団体を通じて使用料の扱いが行われますが、海外作品や録音物の使用は個別契約が求められることが多い点に注意してください。

まとめ：劇音楽の文化的意義

劇音楽は舞台芸術の不可欠な要素であり、物語表現を音響的に補助することで観客体験を豊かにしてきました。バロック期の半歌劇からロマン派の大規模な劇付随音楽、さらに20世紀以降の映画音楽やサウンドデザインへの展開を通じて、劇音楽は単なる付随物以上の独立した芸術形式として発展しました。今日では生演奏・録音・電子音響という多様な手法を通じ、舞台表現の幅をさらに拡張し続けています。

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参考文献

• Incidental music | Britannica（英語）
• Felix Mendelssohn | Britannica（英語）
• Edvard Grieg | Britannica（英語）
• LArlesienne | Britannica（英語）
• Erich Wolfgang Korngold | Britannica（英語）

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エバープレイ編集部

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