ハモリ完全ガイド：ボーカルハーモニーの理論・作り方・録音テクニック
エバープレイ編集部ハモリとは何か — 基本定義と歴史的背景
ハモリ（ボーカルハーモニー）は、主旋律（メロディ）に対して別の声部が音程的に組み合わさることで生じる和音的効果や響きを指します。ポピュラー音楽、ゴスペル、ジャズ、合唱、バーバーショップなど多様な文脈で発展してきました。和声の概念自体は西洋音楽理論（対位法や和声法）に根ざしていますが、民俗音楽や非西洋音楽にも独自のハーモニー表現があります。
和声理論の基礎：インターバルと和音の関係
ハモリを設計するうえでまず理解すべきはインターバル（音程）の性質です。ポピュラー音楽では主に長3度（長三度）、短3度、完全5度、長7度や9度などのテンションが使われます。長3度と短3度の積み重ねはトライアド（三和音）を形成し、これが基本的なハーモニーの骨格となります。
- 長3度（major third）：明るい響き。メジャーコードの構成要素。
- 短3度（minor third）：暗めの響き。マイナーコードに使われる。
- 完全5度（perfect fifth）：安定感。ベースを支える音程。
- テンション（7,9,11,13など）：色彩を加える高次の和音構成音。
ハモリの種類とアプローチ
ハモリの作り方には大きく分けていくつかのアプローチがあります。どの手法を選ぶかで楽曲の色合いは大きく変わります。
- パラレルハーモニー（平行ハモリ）：メロディに対して固定のインターバル（例：3度上）で追従する手法。ポップ・コーラスでよく使われる。単純でまとまりが出やすい。
- コントラポイント（対位法的ハモリ）：独立した動きを持つ声部を作り、互いに響き合うように設計する。クラシックやフーガ的な複雑さを生む。
- 和声的ハモリ（コードトーン中心）：進行するコードに応じて各声部がそのコードトーン（1,3,5,7など）をなぞる方法。ジャズやアレンジで多用される。
- クローズハーモニー vs オープンハーモニー：声部間隔を狭く固めるか（クローズ）、広げて配置するか（オープン）で響きの密度とステレオイメージが変わる。
編曲の実務：声域とパート割り（SATB、三声など）
編曲時には歌い手の声域（声の出る高さ）を考慮し、各パートが無理なく歌えるようにします。一般的な分け方はS（ソプラノ）、A（アルト）、T（テナー）、B（バス）の4声ですが、ポップでは3パートや2パートで十分な表現が可能です。
- 主旋律は最も目立たせたい声に割り当てる。
- 低声部はベースラインとの衝突を避ける。ルート音と重なり過ぎると混濁することがある。
- 中声域（アルト／テナー）は和声の中核となる3度や7度を担当することが多い。
ボイスリーディングの原則—滑らかさと機能
声部進行を滑らかに保つことは、聴き手に自然で心地よい印象を与えます。隣接音進行（半音や全音の動き）を多用し、必要な時だけ大きな跳躍を入れるのが基本です。また、和声機能（トニック、ドミナント、サブドミナント）を意識した配置は解決感や緊張感を生みます。
- 並行5度・8度はクラシックの対位法では避けられるが、ポップミュージックでは必ずしも禁忌ではない。使い方と目的により判断する。
- テンションは必ず解決先を意識する。9や11などは解け方で「不安→安定」を表現できる。
音律とチューニング：平均律、純正律、実音程の問題
録音やピアノ伴奏に合わせてハモる場合、平均律（12平均律）が基本です。しかし人声は倍音構造により純正な比率（純正律）に近づくとより「美しく」聴こえます。特に3度の微小なズレ（数セントの差）が音色に影響するため、ハモリを重ねるときはチューニングの微調整が重要です。
- 目指す響きにより、ピッチを自動補正するか、微妙な揺らぎ（ビブラート）を残すか決める。
- 合唱やアカペラでは、パート同士で耳を合わせて微調整することが多い（生の純正律的調整）。
録音とプロダクションのテクニック
スタジオワークではハモリの捉え方が音像を大きく左右します。以下は実践的なポイントです。
- マイクと距離：近接で密な録音にすると個々の声がクリアに分離する。少し距離を取ると部屋鳴りが混ざり柔らかくなる。
- レイヤリング：同じパートを複数回録る（ダブル）ことで厚みを作る。パンニングで左右に振るとステレオ感が得られる。
- EQとコンプ：低域を整理してマスクを防ぎ、中域（2–5kHz）で存在感を調整する。軽めのコンプで音のまとまりを作る。
- リバーブ／ディレイ：ハモリに一貫した空間を与えるとユニゾン感が増す。短めのプリディレイと中程度のリバーブで前後感を作るのが一般的。
- ピッチ補正とハーモナイザー：Melodyne、Auto-Tune、Harmony Engineなどを用途に応じて使用。過度な補正は自然さを失うため注意。
ジャンル別のハモリの特徴
ジャンルによってハモリの使い方は異なります。
- ポップ／ロック：シンプルな3度重ねやオクターブ、サビでの厚み作りが定番。
- ゴスペル／R&B：豊富なテンションと密なボイシング、コール＆レスポンスの要素が強い。
- ジャズ：テンション、上構造（upper-structure）や複雑なセブンス系のハーモニーが使われる。
- アカペラ／合唱：声だけで和声のバランスを作るため、イントネーションとダイナミクスの管理が重要。
- バーバーショップ：完全整合された4声ハーモニーと倍音強調が特徴。
創作テクニック：魅力的なハモリを作る実践アイデア
- ガイドトーンを決める：メロディの重要音（3度と7度など）をハモリで持たせると和声感が明確になる。
- テンションで色付け：サビで9thや13thを入れて一気に広がりを出す。
- 対位的挿入：Aメロはユニゾンで親密に、Bメロで部分的にカウンターメロディを入れると展開が豊かになる。
- サスペンションを使う：一部の声部を保留して不協和を作り、解決で大きなカタルシスを得る。
- 間引きと呼吸：常に全パートを鳴らすのではなく、パートを絞ることで主旋律を際立たせる。
ライブでの注意点
ライブではモニタリング（インイヤーやステージモニター）、音量バランス、会場特性が重要です。複数の歌手が同じインカムでモニタリングすると位相やピッチ感が狂う場合があるため、個別モニターが推奨されます。ハモリの完全再現を目指す場合はガイドトラックやクリックを使用する例も増えています。
著作権と編曲の扱い
既存楽曲のハモリ（アレンジ）を作る場合、原曲の楽曲著作権に注意が必要です。原曲のメロディや歌詞自体は著作権で保護されますが、独自のアレンジは新たな著作物として認められる場合があります。商業利用の際は原著作権者への許諾（アレンジ使用許可）が必要になることがあるため、ケースバイケースで確認してください。
現代ツールとAIの活用
近年はAIやソフトウェアでハモリ生成を補助するツールが普及しています。ピッチ補正ソフト、ハーモニー生成プラグイン、ボーカルシンセなどはアイデア出しや下地作りに有効ですが、最終的な表現は耳と判断が重要です。AIが提案するハモリは機械的になりがちなので、人間の感性で調整を加えることをおすすめします。
まとめ：良いハモリを作るためのチェックリスト
- 声域に無理がないか確認する。
- インターバルとテンションの選択が楽曲の感情に合っているか。
- 声部の動き（ボイスリーディング）が滑らかか。
- 録音で位相やピッチに問題がないかチェックする。
- ミックスでハモリが主旋律を邪魔していないか（EQ、パン、リバーブで位置を調整）。
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参考文献
- 和声 - Wikipedia
- ボーカルハーモニー - Wikipedia
- 平均律 - Wikipedia
- Just intonation - Wikipedia (英語)
- Sound on Sound（録音・プロダクション記事）
- Antares（Auto-Tuneの公式サイト）
- Celemony Melodyne（ピッチ編集ソフト）
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